Este viernes inauguran cuatro muestras en el Museo de Arte Contemporáneo Salta

PROYECTO V.A.C.A
ECOS MIOS
MILI D’AIELLO
CURADURÍA: KARLA BUZO
INAUGURACIÓN: VIERNES 4 DE OCTUBRE :: 20 HS
VIDRIERAS

La artista Mili D’Aiello desde la vidriera del MAC, nos adentra en el canal del nacimiento y la vegetación de
yunga en la que habita . Del mural se desprenden montañas de barro que cobran vida en el espacio. Su
paisaje azul agudiza la profundidad del tiempo gestante. Textiles que son pétalos y trazos vinculares
conforman la escena íntima de la artista y se vuelve resonante entre dos mundos.

+bio
Mili se describe como una mujer que trabaja diferentes universos posibles desde el color, del cual parte y
habita, ya sea en la fotografía, el muralismo, el dibujo, el diseño de siluetas textiles, los tintes naturales, la
cerámica, entre otros.
El color la interpela: “la repetición y el vacío, lo femenino, lo saturado y lo neutro. El registro fotográfico que
se cuela conteniendo un camino abierto. La dualidad entre la invasión del color y la abstinencia del mismo”.
Docente de Nivel Inicial y Profesora de Artes Visuales en el ISSA, Buenos Aires. Desde el año 2020
participa activamente como artista visual, dictando talleres en espacios e instituciones públicas y privadas,
ha participado de diferentes muestras colectivas e individuales.

PROYECTO INSTITUCIONAL
(in)édito
primera edición
CRIANDERAS
ANTONIO MORALES
CURADURÍA: FLORENCIA QUALINA
INAUGURACIÓN: VIERNES 4 DE OCTUBRE :: 20 HS
PLANTA ALTA >> SALAS 5,6,7,8

(in)édito, el nuevo Proyecto Institucional del Museo de Arte Contemporáneo, tiene como objetivo la
realización de la primera exposición individual de un artista, acompañarlo en esta presentación inicial al
público y a la comunidad artística.  
(in)édito, de un modo estricto, significa escrito y no publicado y por extensión, se asigna este término para
denominar en cualquier materia a todo lo desconocido y nuevo que pueda hacerse público en otras artes,
como la pintura y la música. El prefijo “in” tiene un doble significado, por un lado indica 'negación' o
'privación' y por otro suele significar 'adentro' o 'al interior'.
Este doble significado encuentra sentido en este proyecto que por un lado acerca una producción 'inédita' al
público y por otro propone llevar 'al interior', implantar e irrumpir con un artista novel en la escena local.

En esta oportunidad inauguramos este nuevo proyecto con el artista Antonio Morales con su muestra
Crianderas.
Las obras que integran la primera exhibición individual de Antonio Morales evocan a la Criandera - la mujer
que cría seres ajenos, incluso los amamanta - y al territorio que habita a través de tres procedimientos: la
resignificación de símbolos-signos; la práctica del oficio textil; el trabajo en escala monumental. Cada una

de estas vías se integra en tejidos que son tramas de textos y genealogías. Fusiona arquetipo femenino
nutricio y temible, con los Tagli de Lucio Fontana, ofrenda a las mujeres de su familia y a la abstracción
excéntrica de Lucy Lippard. Hiladas con lana de oveja cruda, aún se siente que a ellas huelen, recién
salidas del fondo cósmico de la Tierra. Tienen algo de cueva. Útero.

El tronco de un árbol hueco. Del vientre que tragó a Job. Y de UN vestido de novia. Sí. Un vestido de novia
que podría haber imaginado Cristóbal Balenciaga de haber vivido el viento Zonda.

+bio
Antonio Morales nació en Tucumán, Argentina (1997). Vive y trabaja entre Cafayate y Salta. En 2022 se
graduó de la Facultad de Arquitectura en la Universidad Católica de Salta, Argentina. Participa de las
residencias Programa clínica cazadores, FUNDACIÓN CAZADORES (2024), Programa de artistas
contemporáneos, PAC (2024). Recibió la Beca Arte y diseño Almo Collegio Borromeo, Pavia, Italia
(2022/2023) Entre sus reconocimientos cuenta con: Selección Salón Bienal de Arte Textil, edición 28°
(2023), Selección Primer Premio de Artes Visuales de Yerba buena, Tucumán (2023), Primer premio pintura
E.Cultural (2011).Es docente de la catedra Textiles experimentales en Universidad Católica de Salta.
+bio
Florencia Qualina es curadora y crítica independiente, sus investigaciones se centran en el arte moderno y
contemporáneo. Entre sus curadurías recientes se encuentran “Premio Fundación Corporación América-
arteba 2023”; Nora Correas, Lentos presentimientos, claras alucinaciones”, Galería W;“Alba incierta”,
Carolina Antoniadis – obras 1987/1998, Galería Calvaresi; “Tawa”, Candelaria Traverso, Espacio Andreani,
ARTEBA 2022; Diego de Aduriz, “La llave y el testigo” - Pablo Rosales, “Visibilidad variable”, Macba, 2022;
“Espejismos. Un ensayo sobre los 90' ”, en Fundación Cazadores;“Murmullos que nos trae el río”, un diálogo
entre las colecciones del Palais de Glace y el CMA; “Margarita Paksa. Hacia un arte revolucionario” en el
Centro de Artes de la UNLP (2022).

METÁFORA DEL DOLOR
LOLY RODRIGUEZ
CURADURÍA: PATRICIA GODOY
INAUGURACIÓN: VIERNES 4 DE OCTUBRE :: 20 HS
PLANTA ALTA >> SALAS 1,2,3,4

La artista Loly Rodriguez presenta su nueva muestra Metáfora del Dolor. Resignificar el dolor, el miedo, las
limitaciones, los mandatos… más lo incorporado desde la memoria colectiva y ancestral, lleva a la artista a
una exhaustiva búsqueda y autoreflexión desde diferentes puntos de vista. Explora conceptos desde la
medicina tradicional y holística, desde la biodescodificación, y desde las experiencias personales y de la
interacción con otros.
La columna vertebral está situada en la parte media y posterior del cuerpo, comienza desde la base de la
cabeza, recorre el cuello, tórax, el abdomen en su parte posterior y termina en la pelvis o cadera. Tiene
treinta y tres vértebras y veinticuatro de ellas son móviles, que se articulan entre sí y da una gran posibilidad
de movimientos: flexión, extensión, flexión lateral laterales y rotación. Es la herramienta de nuestro cuerpo
que define el movimiento de todo el cuerpo.

Desde este eje central, desde estas vertebras como objeto de estudio, propone un desarrollo de conceptos
e imágenes a través de la instalación, la impresión 3D, la xilografía, corte láser, objetos textiles, la pintura y
la fotografía autorreferencial.

+bio
Loly Rodriguez nace en 1966 en Salta, Argentina. Inicia su formación en artes plásticas en los talleres
infantiles de la Esc. Provincial de Bellas Artes. Desde el año 1995 asiste a los talleres de Fabián Nanni,
Patricia Godoy, Felipe Catalán Terrazas, Horacio Pagés Frascara, Telma Palacios y Julio Lavallén.
Asiste a diversos seminarios con Matilde Marín, Rodrigo Alonso, Diana Aisenberg, Margarita Lotufo, Adriana
Laurenzi y Magdalena Mastromarino. Desde 2012 obtuvo premios en diferentes disciplinas.
Realizó numerosas muestras individuales en la provincia de Salta, Buenos Aires, París, Barcelona, Miami,
Nueva York y Punta del Este en diversos museos y galerías de arte.
Participó en la primera edición de FAS (Feria de Arte de Salta) con la Galería Julia Baitalá, Buenos Aires.

FORMAS DE LO INVISIBLE
EXPOSICION COLECTIVA
JIMENA BRESCIA – GIMENA CASTELLÓN ARRIETA – VIRGINIA GUILISASTI
CURADURÍA: PEDRO DONOSO
INAUGURACIÓN: VIERNES 4 DE OCTUBRE :: 20 HS
PLANTA BAJA
La exposición colectiva planteada para el Museo de Arte Contemporáneo se arma a partir de las propuestas
que presentan las tres artistas participantes – Gimena Castellón Arrieta (AR), Virginia Guilisasti (CL) y
Jimena Brescia (AR)– reunidas en torno a temáticas relacionadas con los gestos y materiales cotidianos.
Como una evolución de la exposición presentada en la ciudad de Chillán en noviembre de 2023, incluida en
la selección oficial de Bienalsur, la muestra actual retorna a la fundamentación de un trabajo que se
construye desde el montaje de instalaciones que incluyen video, fotografía y materiales cotidianos como el
cartón, la felpa, distintas telas y una variedad de elementos rescatados entre los desechos.
Formas de lo invisible parte de ese descubrimiento mínimo, para reconocer el valor de lo que ha sido dejado
de lado, subyugado por el establecimiento indiscutido de la llamada “normalidad”. Este esfuerzo por
reconocer lo que parece frágil e inasible mantiene un correlato político que apunta hacia una recuperación
de los gestos invisibles que sostienen la agencia de la vida cotidiana. Al poner al descubierto y dar forma al

poder contenido en estos gestos y acciones intrascendentes, se provoca también una pequeña
emancipación asociada, comúnmente, a las situaciones que conforman el ámbito de lo femenino. De pronto,
esta exposición nos propone un recorrido donde los objetos y actos de nuestra vida comienzan a mostrar
una fuerza diferente, una intriga que revela la existencia del mundo de cuidados y refugios que acoge
nuestra convivencia afectiva y corporal.
Virginia Guilisasti arma una obra que emplea coirón, fieltro, algodón, yuyos y otros materiales triviales para
desplegar una acción colectiva. Mediante el gesto reiterado de trenzar con dichos elementos, la artista
recoge el trabajo de un número de mujeres invitadas a participar en un acto de lenta liberación, inspirado en
el esfuerzo de una madre inmigrante que trenzaba el cabello de su hija cada mañana.
Jimena Brescia explora la interacción con la materialidad de nuestros espacios de tránsito. En sus acciones
de restitución lúdica y corporal, salen a la luz fragmentos materiales de los espacios de vida de nuestras
ciudades y pueblos. Mediante la operación de recolección de elementos diversos, la artista propone
asomarnos a la construcción de una especie de arqueología heterodoxa de nuestras formas de habitar el
territorio.
Gimena Castellón Arrieta trabaja las narrativas en el material a través de la construcción en cartón. Sobre un
gran volumen proyecta su video performance de carga y traslado en un humedal. Esta imagen poética es el
eje de su producción, donde migración, trabajo, invisibilidad, mujer y esfuerzo son palabras clave. La
fotografía de zapatos silenciados con cartón, suelas apilas tipo altar y pancartas de letras, amplifica temas
en zona de fragilidad.